Im Jahr 2004 stand John Wood vor Hollywoods Amoeba Records und verkaufte Autoaufkleber mit dem Slogan: „Drum Machines Have No Soul“.„Es ist ein vernünftiger Ruf nach besserer Musik“, sagte Wood zu seinen potenziellen Kunden und warb um Unterstützung für seinen Ein-Mann-Kreuzzug gegen den Drumcomputer, die Society for the Rehumanization of American Music.Als ein Journalist der LA Weekly Wood in seiner Wohnung interviewte, argumentierte er, dass moderne Popmusik zur Popmusik vor den 70ern das gleiche sei wie Pro-Wrestling zum professionellen Boxen.„‚LL Cool J ist nicht Marvin Haggler‘“, sagte Wood.„“LL Cool J ist Hulk Hogan.““Woods Kampagne war nicht nur fehlgeleitet, sie war sinnlos.2004 war der Drumcomputer als Objekt mehr oder weniger erledigt.Seine Blütezeit in den 80ern war vorbei, weitgehend ersetzt durch Softwareversionen von entscheidenden Studiowerkzeugen, die nicht nur die Popmusik geprägt, sondern auch zur Erfindung von Hip-Hop, House und Techno beigetragen hatten.Wood war sich wahrscheinlich nicht bewusst, dass Software und Aufnahmetechniken so fortschrittlich geworden waren, dass selbst die Feinheiten eines Jazz-Session-Drummers in einem Computer nachgebildet werden konnten, wenn man wusste, was man tat.Es ist nicht schwer zu verstehen, warum Wood, ein klassisch ausgebildeter Pianist, den Drumcomputer nicht mögen würde.Es wurde aus dem praktischen Bedürfnis nach einem Gerät entwickelt, das rhythmische Begleitung bieten kann, wenn kein Schlagzeuger zur Hand ist.Drum Machines entwickelten sich von einfachen Wiedergabegeräten zu programmierbaren Instrumenten;Da sie billiger als eine echte Person waren, fanden sie ihren Weg in die Popmusik, bevor die Technologie so weit fortgeschritten war, dass ihr Sound nicht mehr von einem echten Schlagzeug zu unterscheiden war, das von einem Menschen gespielt wurde.Den synthetischen, starren Mustern, die sie herstellten, fehlte eine menschliche Note.Das früheste Beispiel für einen Drumcomputer war das Rhythmicon, ein Gerät, das vom russischen Erfinder Leon Theremin auf Wunsch des amerikanischen Komponisten Henry Cowell entwickelt wurde.Cowell wollte moderne Technologie nutzen, um etwas zu tun, was ein Mensch nicht tun konnte, in diesem Fall Vielfache einer Wellenlänge in Beats umzuwandeln, was zu einem Gerät führte, das fremde polyrhythmische Impulse erzeugte.Wood wäre darüber wahrscheinlich entsetzt gewesen.Was der Rhythmicon mit späteren Drumcomputern gemeinsam hatte, war sein einzigartiger Charakter.Obwohl der Drumcomputer aus praktischen Gründen geschaffen wurde, trugen eine Reihe von technologischen Entwicklungen und glücklichen Zufällen dazu bei, dass er zu einem Gerät wurde, das von Menschen so leidenschaftlich wie ein Klavier und so innovativ wie die E-Gitarre verwendet wurde.Ob es Wood gefiel oder nicht, bis 2004 hatte es eine völlig neue Musiksprache geschaffen.Was folgt, ist die Geschichte von 14 der wichtigsten Drumcomputer, die diesen Dialekt geprägt haben, von den Ingenieuren, die sie hergestellt haben, bis zu den Künstlern, die sie verwendet haben.Harry Chamberlin war nicht die Art von Person, die man sich als Erfinder des modernen Drumcomputers vorstellen würde.Er wurde in Iowa geboren und half während des Zweiten Weltkriegs bei der Konstruktion des elektrischen Systems der Boeing B-29 Superfortress. Die meiste Zeit seines frühen Lebens war er Ingenieur, der den Mittleren Westen bereiste und Heiz- und Kühlgeräte installierte.Obwohl Chamberlin in erster Linie Ingenieur war, war er auch ein Musikfan, der in seiner Jugend in einer achtköpfigen Tanzband spielte.1949, im Alter von 47 Jahren, gönnte sich Chamberlin die elektrische Orgel, die er sich schon immer gewünscht hatte, und kaufte sich ein Tonbandgerät, um Aufnahmen von sich selbst beim Orgelspiel an seine Eltern zu senden, die nach Kalifornien gezogen waren.Als er sich hinsetzte, um sich selbst aufzunehmen, hatte er einen Heureka-Moment.„Ich habe [das Tonbandgerät] neben mich auf die Bank gestellt“, sagte Chamberlin 1976 in einem Interview.„Und ich legte so einen Finger nach unten und sagte: ‚Um Himmels willen.Wenn ich meinen Finger aufsetzen und eine Hammond-Orgel-Note bekommen kann, warum kann ich dann nicht eine Gitarren- oder Posaunennote bekommen und das irgendwie unter die Tasten bekommen und in der Lage sein, jedes Instrument zu spielen?Solange ich Keyboard spielen kann, könnte ich jedes Instrument spielen.“Das Ergebnis war das erste Keyboard mit mehreren Instrumenten, das er 1956 bei der National Association of Music Merchants (NAMM) vorstellte.Wenn die Taste gedrückt wurde, wurde eine kurze Bandschleife über einen Lautsprecher abgespielt.Chamberlins Idee wurde später von einem seiner eigenen Verkäufer gestohlen und als das berühmtere Mellotron wiedergeboren, aber Chamberlin hatte nicht nur das weltweit erste elektromechanische, polyphone Tape-Replay-Keyboard geschaffen, er hatte versehentlich eine sehr frühe Form des Samplers geschaffen.Während Chamberlins Keyboard das berühmteste seiner Kreationen war, war es nicht das erste.Sein frühestes Tape-Sampling-Gerät war ein Drumcomputer: der Chamberlin Rhythmate.Es hatte keine Tasten oder Knöpfe, nur einen Gleitkopf, der es dem Benutzer ermöglichte, zwischen 14 Tonbandschleifen von akustischen Jazz-Drum-Kits zu wählen, die verschiedene Beats spielten, einige ergänzt durch zusätzliche Bongos, Claves oder Kastagnetten.Es wird angenommen, dass nur 10 Stück des Originalmodells hergestellt wurden, obwohl das Rhythmate in den 1960er Jahren nach dem Erfolg des Chamberlin-Keyboards wiederbelebt wurde und ähnlich bescheidene 100 Einheiten verkaufte.Der Rhythmate erzielte nie große Verkaufszahlen, aber er setzte den Standard für die nächsten zwei Jahrzehnte von Drumcomputern.Die Rhythmate- und Chamberlin-Keyboards waren hauptsächlich als Hilfsmittel zum Mitsingen in der Familie gedacht und erschlossen den Markt für die populären Tänze der damaligen Zeit, darunter Foxtrott, Tango und Walzer.Der Rhythmate war ein Wiedergabegerät, und obwohl zukünftige Modelle die Fähigkeit hinzufügen würden, Rhythmen auszulösen, würde es lange dauern, bis der Drumcomputer als Instrument betrachtet werden könnte.Eines Nachts in den frühen 1960er Jahren wurde dem Motown-Produzenten Hal Davis gesagt, dass der übliche Schlagzeuger in der Lounge, in der er spielte, es nicht schaffen könne.Anstatt den Gig abzusagen, fuhr er sieben Meilen zurück zu seinem Haus, um den Wurlitzer Sideman abzuholen, den er an diesem Tag gekauft hatte.„Nachdem ich es angeschlossen hatte, probierte ich einige der Rhythmen aus, bevor ich mich darauf vorbereitete, unser nächstes Set wieder aufzunehmen“, sagte er in einem Interview.„Die anderen in der Gruppe waren damit beschäftigt, zuzusehen, während ich versuchte, es einzurichten.Plötzlich blickte ich auf und sah drei Paare auf der Tanzfläche, die ganz alleine zum Rhythmus des Sideman tanzten.“Wenn man sich jetzt den Sideman anhört, scheint es unglaublich, dass ein Publikum in den 1960er Jahren so frei zu einem Gerät getanzt hätte, dessen Klang so fremdartig gewesen sein muss.Im Gegensatz zu den Bandschleifen des Chamberlin Rhythmate wurden die Rhythmen des Sideman von Vakuumröhren und einem Röhrenverstärker erzeugt.Seine tiefen, abgerundeten Bassdrums, das gebürstete Rauschen seiner Becken und schrillen Toms nahmen den Sound von Rolands TR-Serie vorweg, doch die voreingestellten Rhythmen waren weitgehend die gleichen wie bei Rhythmate – beliebte Tanzstandards wie Samba, Bolero und Tango.Der Sideman wurde erstmals 1959 vorgestellt, 10 Jahre nach dem Rhythmate.Es gibt keine Hinweise darauf, dass der Sideman direkt von der Erfindung von Chamberlin inspiriert wurde, aber die ästhetischen und funktionalen Ähnlichkeiten zwischen beiden legen nahe, dass jemand in der Forschungs- und Entwicklungsabteilung von Wurlitzer auf einen gestoßen sein muss.Wie die Rhythmate war Wurlitzers Sideman ein großes, schweres quaderförmiges Gerät, das direkt auf diejenigen abzielte, die eine Begleitung für ihre Orgel zu Hause oder in einer Aufführungsumgebung wünschten.Die Tape-Loop-Technologie von Chamberlin war zwar in der Lage, echte Drum-Sounds nachzubilden, war jedoch anfällig für Verschlechterung und Fehlfunktionen.Der Sideman war anders.Ähnlich wie bei einer einfachen Spieluhr wurden die Muster des Sideman mechanisch durch eine rotierende Scheibe erzeugt, was ihn viel zuverlässiger machte als den Rhythmate.Das Tempo konnte durch einen Schieberegler gesteuert werden, der den Rhythmus auf einen beliebigen Wert von 34 bis 150 Schlägen pro Minute änderte, und wenn Sie wollten, war es möglich, jeden der 10 Schlagzeugklänge einzeln über eine Reihe von Knöpfen an der Seite der Steuerung auszulösen Tafel.Während der Rhythmate kaum mehr als ein verherrlichter Kassettenspieler war, erzeugte der Sideman seinen eigenen Sound.Der Sideman hat seinen Namen von der Bezeichnung für die Musiker, die engagiert wurden, um Solisten zu begleiten.Während dies wahrscheinlich von Wurlitzer auf ironische Weise verwendet wurde, sah die American Association of Musicians dies nicht so.Anders als das Rhythmate, von dem nur eine winzige Stückzahl verkauft wurde, war das Sideman unglaublich beliebt und zog die gleiche Kritik von den Gewerkschaften auf sich wie Chamberlins Keyboards ein paar Jahre zuvor, als die Gewerkschaft entschied, dass eines nur so lange in Cocktaillounges verwendet werden darf Der Keyboarder erhielt den Lohn von drei Musikern.Trotz des Erfolgs des frühen Drumcomputers stellte Wurlitzer 1969 die Produktion des Sideman ein. Schließlich stellte das Unternehmen auch die Produktion von Orgeln und Jukeboxen ein.Heute lebt das Unternehmen als Hersteller von Verkaufsautomaten weiter, nur die Automatisierung verbindet es mit seiner früheren Position als Kraftpaket in der Welt der Musiktechnologie.Aber Wurlitzers musikalisches Vermächtnis endete damit nicht.1962 kaufte ein Japaner einen Sideman und brachte damit nicht nur einen weiteren Drumcomputer hervor, sondern eines der größten Musikhardwareunternehmen der Welt.Wie Harry Chamberlin war Tadashi Osanai sowohl Musiker als auch Ingenieur.Er spielte Akkordeon in einem Nachtclub im Tokioter Stadtteil Shinjuku, und wie Hal Davis setzte er einen Wurlitzer Sideman ein, um seine Auftritte zu begleiten.Osanai war jedoch frustriert über die Einschränkungen des Sideman.Der Besitzer des Nachtclubs war Tsutomu Katoh, ein ehemaliger U-Bootfahrer, der 1960 auch einen Discounter und ein Musikgeschäft besaß.Osanai überzeugte Katoh, seine Idee für einen besseren Drumcomputer als den Sideman zu finanzieren.Über 50 Jahre später existiert ihr Unternehmen immer noch als Korg.Bevor es den Namen Korg gab, hieß ihr Unternehmen Keio, benannt nach der Eisenbahnlinie neben der zentralen Fabrik in Tokio, in der Osanai und sein vierköpfiges Team untergebracht waren.Ihr erstes Produkt, das 1963 hergestellt wurde, war die Keio Gijyutu Kenkyujo DA20 DoncaMatic Disk Rotary Electric Auto Rhythm Machine, ein Gerät, das im Wesentlichen das gleiche Scheibensystem wie der Sideman verwendete.1966 wurde es von einer mit Transistoren betriebenen Solid-State-Version abgelöst.Es war vielleicht weniger begrenzt als das Sideman, aber es war immer noch ein kräftiges Gerät.Die Doncamatic ist immer noch in guter Erinnerung (insbesondere von Gorillaz), aber es waren die Minipops, die später in diesem Jahr veröffentlicht wurden, die den Standard für die Drumcomputer der Zukunft setzen sollten.Der Minipops wurde nicht nur von zuverlässigeren Transistoren angetrieben, sondern war auch klein.Wer einen Drumcomputer wollte, musste nicht länger ein Sideboard-großes Gerät mitschleppen – jetzt gab es ein Produkt, das auf einer Tischplatte stehen konnte.Die Minipops gab es ursprünglich in zwei Modellen: dem MP-5 und dem MP-7.Der MP-5 war der kleinere, einfachere der beiden und bot 10 voreingestellte Rhythmen mit Reglern für Ton, Tempo und Lautstärke.Der MP-7 bot 20 Rhythmen mit Tempo- und Lautstärkeregelung und verfügte über spezielle Fader zum Hinzufügen von Ouijada, Guiro und Tamburin.Vor allem ermöglichten die Bedienelemente dem Benutzer, mehr als eine Voreinstellung zu drücken, um Rhythmen zu kombinieren.Die Minipops hatten eine lange Lebensdauer und brachten weitere sechs Modelle hervor, darunter zwei, die produziert wurden, nachdem Keio seinen Namen in Korg geändert und mit der Herstellung monophoner Synthesizer begonnen hatte.Obwohl die Drum-Sounds noch primitiv waren, hatten sie ihre Fans, allen voran Jean-Michel Jarre, der den MP-7 auf seinem Album Oxygene unsterblich machte.Bei aller Tragbarkeit der Drumcomputer waren MP-5 und MP-7 jedoch immer noch Geräte, die an Tanzrhythmen wie Rhumba, Tango und Bossa Nova gebunden waren.Erst 1975 wurde der Drumcomputer zu einem Kompositionswerkzeug.PAiA Electronics Programmierbares Schlagzeug (1975)John Simonton Jr. war ein Bastler, der zusammen mit seinem Vater gerne an Elektronik bastelte.1959, volle acht Jahre, bevor sie mit dem Verkauf von Synthesizer-Kits für den Versandhandel begannen und Simonton Jr. anfing, in der ersten computergesteuerten Triebwerksfabrik in Oklahoma zu arbeiten, gründeten die beiden ihre eigene Firma, um ihr Hobby steuerlich zu finanzieren.Ihr erstes kommerzielles Produkt war eine Leiterplatte für ein Haussicherheitssystem namens Cyclops Intruder Detector und war ein kommerzieller Misserfolg.Ohne den erfolgreicheren Omni-Alarm zur Alarmierung von Fahrzeugstörungen wäre PAiA Electronics möglicherweise zusammengebrochen, bevor es überhaupt in Gang kam.Die Blütezeit von PAiA war in den 1970er Jahren, als das Interesse an modularen Synthesizern am größten, aber die Preise am teuersten waren.Anstatt an High-End-Anwender zu verkaufen, erschloss Simonton den Heimwerkermarkt und verkaufte Bausätze an Bastler, die sie sowohl in modulare als auch in analoge All-in-One-Synthesizer einbauen konnten.Während die Synthesizer von Moog und ARP zwischen 5.000 und 10.000 US-Dollar kosten, kostet ein einfaches Keyboard-Synthesizer-Kit von PAiA nur 230 US-Dollar.Neben Synthesizern verkaufte PAiA Drum-Machine-Kits.Sein erster war der Drummer Boy, ein kleines Gerät, ähnlich wie die Korg Minipops, komplett mit ähnlicher Preset-Auswahl und ähnlichen Einschränkungen.Die eigentliche Innovation kam mit dem Programmable Drum Set.Es war nicht der erste programmierbare Drumcomputer.Das war der Eko ComputeRhythm im Jahr 1972, aber nur eine Handvoll wurden hergestellt – PAiAs Bemühungen machten die Funktion erschwinglich.Auf dem Gerät gab es keine nennenswerten Tasten, nur berührungsempfindliche Bedienelemente, die schwere Bässe, leichte Bässe, Snaredrum, Rom-Tom, Conga, Holzblock und Clave auslösten.Die Klänge wurden von sogenannten „Ringing Oscillators“ erzeugt, die einen fast oszillierenden Filter verwendeten, der wie eine echte Trommel klingelte, wenn er von einem Impuls getroffen wurde.Der Sound war so einfach wie der Wurlitzer Sideman, aber im Inneren befand sich ein 256-Byte-Speicher, der benutzerdefinierte Muster in jeder Taktart speicherte.Es speicherte nicht nur ein Grundmuster: Es erlaubte die Partiturbearbeitung sowie die Erstellung von Brücken und Intros.Das programmierbare Schlagzeug von PAiA hatte nur etwa ein Jahr Zeit, bevor andere Unternehmen damit begannen, ihre eigenen, weit verbreiteten programmierbaren Geräte herzustellen, aber es fand seinen Weg auf Peter Gabriels Titel „Games Without Frontiers“ von 1980.Der Markt für DIY-Synthesizer schrumpfte in den 80er Jahren, als Bastler auf das wachsende Interesse am Bau von Personal Computern übergingen, aber das Unternehmen stellt immer noch Synthesizer-Modul-Kits für engagierte Enthusiasten her.Die Rolle von PAiA bei der Entwicklung des Drumcomputers mag kurz gewesen sein, aber sie war wichtig.Zum ersten Mal waren Musiker nicht mehr durch die Muster eingeschränkt, die ihnen die Hersteller auferlegten.Stattdessen war der Drumcomputer ein futuristisches Werkzeug, das in der Lage war, Rhythmen zu erzeugen, die vom Kanon westlicher Musik befreit waren.Es sollte jedoch ein weiterer japanischer Erfinder sein, der die programmierbare Drum-Machine zu ihrem vollen Potenzial bringen würde.Nachdem Ikutaro Kakehashi im Vorkriegsjapan im Alter von zwei Jahren seine Eltern an Tuberkulose verloren hatte, verbrachte er einen Großteil seiner Kindheit damit, Elektrotechnik zu studieren und auf den Hitachi-Werften in Osaka zu arbeiten.1946 scheiterte er aus gesundheitlichen Gründen an der Universität und zog auf die südliche Insel Kyushu, wo er von einer Öffnung auf dem Markt für Uhrenreparaturen profitierte.Bald reparierte er auch Radios und kehrte mit genug Geld nach Osaka zurück, um seinen Eintritt in die Universität zu finanzieren.Zu diesem Zeitpunkt, im Alter von nur 20 Jahren, erkrankte Kakehashi selbst an Tuberkulose und verbrachte drei Jahre im Krankenhaus.Er wurde nur gerettet, als er ausgewählt wurde, um ein experimentelles Medikament namens Streptomycin zu testen.Wenn Kakehashi sich nicht erholt hätte, wäre die moderne Musiklandschaft ganz anders.1972 gründete er Roland, das Unternehmen, das die elektronische Musik wohl mehr geprägt hat als jedes andere in der Geschichte.Wie Keios Tadashi Osanai war auch Kakehashi vom Wurlitzer Sideman fasziniert.Vor der Gründung von Roland und nachdem er zu einem Leben in der Elektronikreparatur zurückgekehrt war, besaß er Ace Electronics Industries, eine Firma, die einen Drumcomputer namens R1 Rhythm Ace zur NAMM in die USA brachte.Es war kleiner als Keios Doncamatic und galt als der erste Transistor-Drumcomputer der Welt.Es war auch ein kompletter Flop.Ohne vorprogrammierte Muster war der R1 ein Performance-Gerät, für das die Welt noch nicht bereit war.Kakehashi hatte viel Erfolg mit den folgenden Drumcomputern, aber es sollte 14 Jahre dauern, bis er ein Gerät entwickelte, das einen wirklichen Fortschritt in der Technologie bot.Die Ästhetik des Roland CR-78 Compurhythm war seinem ursprünglichen R1 sehr ähnlich, aber neben den voreingestellten Rhythmen zeichnete sich der PAiA durch die Fähigkeit des PAiA aus, Ihre eigenen Rhythmen zu schreiben und in einer von vier Speicherbänken zu speichern, selbst nachdem das Gerät ausgeschaltet wurde .Im Gegensatz zum PAiA erforderte der CR-78 den mühsamen Einsatz des WS-1 Write Switch, aber die Kombination aus Programmierbarkeit und vertrauten voreingestellten Rhythmen machte ihn sowohl bei Heimanwendern als auch bei Künstlern wie Phil Collins und Blondie beliebt.„In Wirklichkeit war es die Idee eines nicht tanzenden japanischen Programmierers von seltsamen westlichen generischen Rhythmusmustern, die so zwangsläufig exzentrisch und elektronisch klingen – was mir sofort gefallen hat“, sagte John Foxx von Ultravox.„Ich mochte den Primitivismus des CR78 und stellte fest, dass ich immer wieder darauf zurückgriff.Ich habe verstanden, dass seine Starrheit einen dazu zwingt, auf bestimmte Weise zu arbeiten, und das gefällt mir.“Der CR-78 war das Ende einer Ära.Sein hölzernes Äußeres war eines der letzten, das direkt vom mittlerweile über 20 Jahre alten Sideman inspiriert war.Obwohl zukünftige Drumcomputer auch mit Presets geliefert werden würden, war der CR-78 einer der letzten, der sie so prominent präsentierte;Zu diesem Zeitpunkt war das Jahr 1978 und der Markt für Bossa Nova-, Samba- und Foxtrott-Rhythmen versiegte.Die Leute wollten etwas, das sie spielen konnten, keine Cocktail-Lounge-Rhythmusmaschine.Der CR-78 bot vielleicht Programmierbarkeit, aber ein Industriedesigner namens Roger Linn war immer noch unzufrieden mit dem, was die Geräte der damaligen Zeit zu bieten hatten.Im Gespräch mit Mark Vail im Jahr 2000 sagte er, dass er „einen Drumcomputer wollte, der mehr kann, als voreingestellte Samba-Patterns zu spielen, und der nicht wie Grillen klingt“.1978 machte er sich daran, sein eigenes programmierbares Gerät zu entwickeln, das besser zu seinen Bedürfnissen als Gitarrist passte.Nachdem er Kurse in der BASIC-Computersprache besucht hatte, nahm Linn einen analogen Stimmgenerator von einer vorhandenen Roland-Drum-Machine und schrieb eine Software, die Patterns erstellen konnte.Obwohl er eine Methode zur Mustererstellung hatte, mit der er zufrieden war, musste die Sound-Engine noch verbessert werden.Es war Toto-Gitarrist Steve Pocaro, der Linn vorschlug, Sample-Aufnahmen von echten Drums digital zu machen, was ihm den Durchbruch verschaffte, den er brauchte.Linn war nicht die erste Person, die digitale Sampling-Technologie einsetzte.Die Methode wurde 1967 von Peter Grogono, David Cockerell und Peter Zinovieff entwickelt, als sie das EMS Musys herausbrachten, ein System, für dessen Ausführung zwei Computer erforderlich waren.Bis 1978 war die zum Speichern digitaler Daten erforderliche Technologie kleiner und erschwinglicher geworden, und Linn konnte einen einzigen Chip verwenden, um 12 8-Bit-Samples zu speichern: Kick, Snare, Hi-Hat, Cabasa, Tamburin, Tom, Conga, Kuhglocke, Clave und Händeklatschen.Die bemerkenswertesten Auslassungen waren Ride- und Crash-Becken.Das Ergebnis war der Linn LM-1 Drum Computer, der weltweit erste Drumcomputer mit digitalen Samples.Im Gegensatz zu den auf Tonband aufgezeichneten Samples von Chamberlins Rhythmate würde Linns niemals abfallen.Es hatte unglaubliche 100 Speicherplätze zum Speichern von Rhythmen, und im Gegensatz zu Rolands CR-78 konnten Patterns mit dem LM-1-Bedienfeld erstellt werden, das sich an den Personal Computern der damaligen Zeit orientierte.Der LM-1 war jedoch sehr teuer.Mit 4.995 US-Dollar konnte Linn den Massenmarkt bis zur Veröffentlichung der LinnDrum im Jahr 1982 nicht durchbrechen, aber die Leistung der LM-1 machte sie für Profis attraktiv.Jede Stimme konnte einzeln gestimmt und gemischt werden, was es zu einem der ersten Geräte machte, das problemlos in professionellen Studios verwendet werden konnte.In den 80er Jahren war der Sound des LM-1 unausweichlich: ABC, Devo, Giorgio Moroder, Michael Jackson und John Carpenter waren nur einige der Künstler, die ihn auf Platten verwendeten.Die vielleicht wichtigsten Durchbrüche, die der LM-1 einführte, waren die Shuffle-Funktion und die Notenquantisierung, die Linn Attack 2013 erzählte, die er zufällig entdeckt hatte.„Als ich meinen Echtzeit-Aufnahmecode ausführte und die Drum-Tasten im Takt des Metronoms spielte, bemerkte ich, dass das, was ich aufgenommen hatte, auf perfekten Sechzehntelnoten wiedergegeben wurde, wodurch meine Timing-Fehler effektiv korrigiert wurden, also beschloss ich, diesen Fehler ein Feature zu nennen , was ich ‚richtiges Timing‘ nannte“, sagte er.„Bei der Überlegung, wie man Swing-Time-Beats komprimieren könnte, kam mir der Gedanke, dass dies durch Verzögern der Wiedergabe von abwechselnden Sechzehntelnoten erreicht werden könnte, und durch Variieren des Verzögerungsbetrags könnte ich den Grad des Swing variieren.Und so wurde das Swing-Feature geboren, das ich 1979 ‚Shuffle‘ nannte.“Durch einen einfachen Fehler hatte Linn bewiesen, dass Drum Machines etwas von der Seele eines menschlichen Percussionisten haben können, eine Funktion, die seit einigen Jahren in Rolands Angeboten fehlt.Prince hat die Verwendung des LM-1 zu einer Kunstform gemacht: Es gibt sogar eine Forumsseite, die sich damit beschäftigt, herauszufinden, wie er das „Klopfgeräusch“ in „When Doves Cry“ bekommen hat.Der Sound des LM-1 wirkt neben den heutigen Drumkit-Samplepacks sehr veraltet, aber ohne sie gäbe es sie wahrscheinlich nicht.Linns Kreation und die Platten, die sie hervorbrachte, hatten bewiesen, dass gesampelte Drums in den richtigen Händen genauso ausdrucksstark sein können.„Der TR-808 ist ein Kunstwerk“, sagte Robert Henke 2010 in einem Interview mit The Wire. „Es ist Ingenieurskunst, er ist so schön gemacht.Wenn Sie eine Vorstellung davon haben, was im Inneren vor sich geht, und wenn Sie sich den Schaltplan ansehen und sehen, wie der unbekannte Roland-Ingenieur das Beste aus superlimitierter Technologie gemacht hat, ist es unglaublich.“Trotz der Meinung, dass Henke 35 Jahre nach seiner Veröffentlichung von Musikfans auf der ganzen Welt geteilt wird, galt das ikonischste Stück Musikproduktionsausrüstung aller Zeiten als gescheitert, als es 1980 auf den Markt kam. Wie Roger Linn wollte auch Rolands Team einen programmierbarer Drumcomputer für Backing-Tracks, aber wo Linn digitale Samples verwendete, wurden Rolands analoge Sounds von Transistoren geliefert.Auf technischer Ebene übertraf Linns Leistung die 808 völlig. Während die LM-1 eine innovative Shuffle-Funktion und realistische Drum-Sounds hatte, hatte die 808 eine metronomische Starrheit und blecherne Kuhglocken, die eher wie Sci-Fi-Soundeffekte klangen.Die Synth-Töne und das weiße Rauschen, aus denen die primitiven Drum-Sounds des 808 bestanden, wurden von Rezensenten und professionellen Musikern als minderwertig angesehen, und der 808 hatte Mühe, ein Publikum zu finden, obwohl er über 3.000 US-Dollar weniger kostete als der LM-1.Obwohl das Yellow Magic Orchestra das erste war, das die 808 auf der Bühne einsetzte, dauerte es bis 1982, bis die Drum Machine ins Bewusstsein der Öffentlichkeit drang.Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force ließen sich von den kantigen Klängen von Kraftwerk inspirieren und wendeten sie auf eine Hip-Hop-Vorlage an, wobei sie den Glanz der 808 nutzten und „Planet Rock“ kreierten.Etwa zur gleichen Zeit kaufte ein Detroiter Musiker namens Juan Atkins eine 808 und setzte sie in seiner Gruppe Cybotron ein.In beiden Fällen wurde der unheimliche, futuristische Sound des 808 für das gefeiert, was er war, und die Künstler begannen, sich mit den wahrgenommenen Grenzen des Geräts auseinanderzusetzen.Nachdem das Gerät 1984 eingestellt wurde, begann sich der Gebrauchtmarkt mit 808 zu füllen, die für einen Bruchteil ihres ursprünglichen Preises erhältlich waren.Jeder, von Egyptian Lover über Richie Hawtin bis hin zu Chris Carter von Throbbing Gristle, kaufte eine 808, obwohl ihr roter Faden sich am stärksten durch die Hip-Hop-Kultur als Rückgrat des 80er-Electro, der Southern-Produktion und des Miami Bass zieht.Wie Questlove sagte, war die 808 „die Rockgitarre des Hip-Hop“.Auch heute noch sind Produzenten vom unverwechselbaren Sound der 808 besessen.Seine Drums bilden das Rückgrat der Chicagoer Footwork-Szene, die wiederum Produzenten wie Addison Groove dazu inspirierte, den Sound in ihren eigenen Mutationen zu verwenden.Selbst in der heutigen Post-Genre-Landschaft ist die 808 die bekannte Trope, die viele unterschiedliche Stile verbindet.Als Tom Oberheim damit begann, seinen eigenen Drumcomputer zu entwerfen, war er bereits eine produktive Figur in der Welt der Synthese.Er war vom Bau von Hi-Fi-Komponenten für seine Schulfreunde zum Entwurf des weltweit ersten programmierbaren Monosynthesizers übergegangen, und 1980 machte er sich daran, ein Gerät zu entwerfen, um von der Popularität von Roger Linns LM-1 zu profitieren.Wie der LM-1 war der Oberheim DMX eine Maschine, die digitale Sampling-Technologie verwendete, um realistische Drum-Sounds zu erzielen.In ähnlicher Weise verwendete der DMX ein digitales 8-Bit-Format, um seine Drum-Samples zu speichern, aber Oberheims Gerät verwendete einen Algorithmus, um die Auflösung auf 12 Bit zu erhöhen.In Kombination mit den gleichen spannungsgesteuerten Curtis 3320-Filtern wie im Prophet-5 war der DMX in der Lage, realistische, aber unverkennbar warme und robuste Klänge zu einem erheblich niedrigeren Preis als der LM-1 zu erzeugen.Während der LM-1 seinen Weg in viele professionelle Studios fand, war der DMX die Maschine, die es schaffte, die aufstrebende Hip-Hop-Szene zu knacken.Während Rolands TR-808 in diesem Bereich bereits an Popularität gewann, war DMX ebenso wichtig für die Gestaltung des Sounds des Genres.„It's Like That“ von Run-DMC, das 1983 veröffentlicht wurde, war eine der ersten bemerkenswerten Anwendungen des DMX im Hip-Hop, und die Drums des DMX trugen dazu bei, die Idee eines Hip-Hop-Beats zu formen.Es war nicht nur Hip-Hop, wo DMX angenommen wurde.Im selben Jahr setzte New Order den DMX bei „Blue Monday“ ein, während Madonnas „Holiday“ und „Into The Groove“ den DMX-Sound weiter in das kollektive Bewusstsein rückten.Während das DMX über humanisierende Funktionen wie Rolls, Swing und Flams verfügte, wurde es später um ein Gerät namens Prommer erweitert.Der DMX speicherte seine Drums auf einem programmierbaren Speicherchip namens EPROM, der aus der Drum-Maschine entfernt werden konnte, und der Prommer ermöglichte es dem Benutzer, seine eigenen Drum-Samples auf einen zusätzlichen Chip zu brennen.Tatsächlich war der Prommer eine frühe Form des Samplers, wenn auch einer, der ohne DMX nutzlos war.Die wahre Revolution im Sampling stand kurz bevor.Obwohl Roger Linn den ersten Drumcomputer entwickelt hatte, der digitale Samples verwendete, und ihm 1982 das erschwinglichere Linndrum folgte, waren die Kosten immer noch eine große Eintrittsbarriere.Mit 2.995 $ war es immer noch außerhalb der Reichweite aller, aber die engagiertesten Musiker und das Oberheim DMX, das 2.895 $ kostete, war nicht viel besser.Ein Unternehmen namens E-Mu hatte jedoch das Wissen und die Erfahrung, Dinge billiger zu machen.Viel billiger.E-Mu wurde 1970 von Scott Wedge und Dave Rossum gegründet. Obwohl es mit der Herstellung seiner eigenen modularen Systeme begann, machte es in diesem Jahrzehnt den größten Teil seines Geldes mit der Lizenzierung von Technologien an andere Synthesizer-Unternehmen, insbesondere die digital gescannte Tastaturarchitektur und integrierte Schaltungen innerhalb des Sequential Circuits Prophet-5.Es waren diese SSM-Chips, die zusammen mit einem Ingenieur namens Ron Dow entwickelt wurden, die das Unternehmen in seinem ersten Drumcomputer zum Einsatz brachte.Rossums umfangreiche Erfahrung mit Chips bedeutete, dass er in der Lage war, eine Drum-Maschine zu entwickeln, die Komponenten teilte, um Kosten zu sparen, und einen einzigen 64-kb-Sample-Speicher anstelle von dedizierten Chips für jede Trommel verwendete.Rossum hat auch das Fett aus der Benutzeroberfläche des Linndrum gekürzt und sich dafür entschieden, nur einen einzigen Schieberegler für die Eingabe von Daten zu verwenden und nur vier Trigger-Tasten für die Zuordnung von Drums hinzuzufügen.Der Kompromiss waren viel kürzere Abtastzeiten als beim LM-1 oder Linndrum und eine viel weniger benutzerfreundliche Oberfläche, aber es bedeutete, dass es für nur 995 US-Dollar im Einzelhandel erhältlich war.Der E-mu Drumulator war ein großer Erfolg und verkaufte sich innerhalb von zwei Jahren 10.000 Mal.Während es dazu beitrug, den Drumcomputer einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, waren vielleicht seine Nachfolger wichtiger.Das E-Mu SP-1200 fügte die Möglichkeit hinzu, eigene Drum-Sounds aufzunehmen, schuf die Blaupause für den modernen Sampler und ebnete den Weg für alles, vom Akai MPC bis zum Boss Dr. Sample.Während Rolands TR-808 und TR-909 oft wegen ihrer Bedeutung für die Entwicklung der Tanzmusik zitiert werden, ist das Vermächtnis des Drumulators genauso wichtig.Neben dem Haus von Todd Terry verwendeten die französischen Touch-Pioniere Daft Punk und Alan Braxe die SP-Serie.Heute wird es immer noch von Produzenten wie Willie Burns verwendet, die seine Einschränkungen nutzen, um einen klassischen House-Sound zu erreichen.1981 boomte das Synth-Geschäft.Sperrige Modulars waren praktischen All-in-One-Modellen gewichen, Monosynths wurden durch Polysynths ergänzt, und ein Jahr zuvor hatte Yamaha den ersten digitalen FM-Synthesizer, den GS-1, herausgebracht.Das Problem war, dass sich alles außer analogen Monosynthesizern als inkompatibel mit dem älteren Steuerspannungsstandard erwies.Unternehmen begannen damit, ihre eigenen proprietären Verbindungsmethoden zu entwickeln, aber dies erschwerte die Dinge für den Verbraucher, der nicht in der Lage war, Konkurrenzmodelle anzuschließen.Es ist selten, dass Unternehmen jemals zusammenarbeiten, um es den Verbrauchern leichter zu machen, aber genau das ist passiert.Rolands Gründer Ikutaro Kakehashi schlug die Idee der Standardisierung bei Tom Oberheim vor, der sie Dave Smith vorschlug, Präsident von Sequential Circuits, dem Unternehmen, das für den legendären Prophet-5 verantwortlich ist.Smith entwickelte zusammen mit Chet Wood und in Absprache mit den großen japanischen und US-amerikanischen Herstellern eine universelle Schnittstelle, die es jedem Synthesizer ermöglichen würde, mit einem anderen zu kommunizieren.Das Ergebnis war MIDI, ein System, das bis heute der Standard ist.Obwohl MIDI auf der NAMM im Januar 1983 mit einem Sequential Circuits Prophet 600 und einem Roland Jupiter-6 demonstriert wurde, hatte es Anwendungen jenseits von Synthesizern.Sobald der MIDI-Standard fertiggestellt war, machte sich Smith an die Arbeit am weltweit ersten mit MIDI ausgestatteten Drumcomputer, den Sequential Circuits Drumtraks.Das Ergebnis war eine auf Samples basierende 8-Bit-Drum-Machine mit realen Sounds, die der Linndrum LM-1 ähneln, wenn auch vielleicht etwas grobkörniger und einfacher zu programmieren.Mit MIDI könnte der Drumcomputer jedoch endlich die zuverlässige Drehscheibe eines größeren Setups sein.Im Gegensatz zur Steuerspannung, die dazu neigte, aus der Zeit zu driften, war MIDI genau, obwohl dies nichts war, wozu CV vorher nicht in der Lage war.Das vielleicht Wichtigste, was die MIDI-Verbindung der Drumtraks ermöglichte, war die Übertragung von MIDI-Nachrichten, die sich auf Lautstärkedynamik und Akzente auswirkten.Sie müssten dafür ein anschlagdynamisches Keyboard wie das Six-Trak von SC anschließen, aber zum ersten Mal gab es eine ausdrucksfähige Drum-Maschine.Die Drumtraks wurden 1985 schnell von der fortschrittlicheren TOM abgelöst und haben sich nie ganz so durchgesetzt wie Rolands Maschinen, aber sie zeigten, was mit einer mit MIDI ausgestatteten Drum-Maschine erreicht werden konnte.Sequential Circuits ging 1987 aus dem Geschäft, aber Dave Smith arbeitete weiter für Yamaha und entwickelte den weltweit ersten Software-Synthesizer, der auf einem PC lief.Es sollte 25 Jahre dauern, bis er zum Drumcomputer zurückkehrte und damit dazu beitrug, das Interesse an einer veralteten Technologie wiederzubeleben.Bereits 1984 hatte sich der Chicagoer DJ Frankie Knuckles im Warehouse Club der Stadt einen Namen gemacht und seinen eigenen Club, das Power Plant, eröffnet.Ein junger DJ namens Derrick May reiste oft von Detroit nach Chicago, um Knuckles spielen zu sehen, und eines Tages rief er ihn an, um ihn zu fragen, ob er einen der beiden Drumcomputer kaufen wolle, die er in die Finger bekommen hatte.May bot ihm an, ihm bei der Programmierung des Geräts zu helfen, und Knuckles war begeistert.Der erste Track, bei dem er es verwendete, war eine Version von „Your Love“, die er mit Jamie Principle gemacht hatte, und Knuckles begann, im Club unter Schallplatten auf der Drum Machine zu spielen.Knuckles hatte die Vorlage für fast alle House-Musik gesetzt, die folgen würde.